Življenje umetnika

Trenutek s Thomasom Schallerjem

Trenutek s Thomasom Schallerjem


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Spoznajte mojstra ameriškega akvarela - Thomasa Schallerja

Spodaj uživajte v tem ekskluzivnem intervjuju z ameriškim mojstrom akvarela Thomasom Schallerjem, če želite izvedeti več o njegovih slikah, navdihih, postopku in še več.

Pridi septembra na akvarel s Thomasom na znano in čudovito italijansko podeželje Umik v Toskano. Rezervirajte svoje mesto zdaj!

Kako vas je zanimala akvarel?

Odraščanje v podeželskem Ohiju je bilo moje edino izpostavljanje širšemu svetu nasploh in predvsem umetnosti. Moja mama in babica sta imeli precej zbirk umetniških knjig. Kot otrok bi jih neskončno gledal skozi njih; izgubijo se v zgodbah, vizijah in domišljijah umetnikov na teh straneh.

Vedno sem rad risal, se izgubljal v namišljenih svetovih svojega ustvarjanja, daleč preko tega, kar sem videl kot svoj precej omejen. In tako se mi je zdelo življenje umetnika najboljše. In to je postala pomladna deska za vse moje sanje. Moja logika je bila, da če nikoli ne bom videl vseh čudovitih krajev, o katerih sem sanjal, bi lahko vsaj v moji risarici vsaj risal in slikal svoje - in morda še boljše.

In v tem smislu je zasanjana, tekoča narava mnogih akvarelov, ki sem jih videl v tistih zgodnjih dneh, postala še posebej odmevna. Igrivo, močno domiselno delo Johna Marina in Charlesa Burchfielda je resnično prišlo domov. In zelo jasna in iskrena čustvenost akvarelnih slik Edwarda Hopperja me osupne še zdaj, mnogo let pozneje.

Kdo so bili umetniki akvarela, ki so vas navdušili?

Poleg zgoraj omenjenih se spominjam, da sem bil približno 10 let šokiran nad slikami številnih akvarelov, ki jih je prikazal Turner. Premlada sem bila, da bi resnično razumela, a nekaj, kar me je v tujerodni svetilnosti in čustvenem pretresu v teh navdihnjenih delih, me je pritegnilo.

Prav pomanjkanje podrobnosti - pomanjkanje predloženih odgovorov - me je prisililo veliko bolj kot zelo specifične ali artikulirane morske pokrajine, ki so jih ustvarili drugi. Zdi se, da Turner skoraj izziva gledalca, da reši uganko ali razkrije skrivnost v njegovih delih.

Medij akvarela se je zdel idealen za tovrstno lahkotno, atmosfersko in čustveno nabito pripovedano zgodbo. In še vedno gre.

Svoje delo ste označili kot "interpretirani realizem." Lahko to razložite?

Vedno svetujem svojim skupinam (in sebi), naj ne slikajo tistega, kar vidimo, kot tega, kako se počutijo to, kar vidimo. Ali z drugimi besedami, lahko rečem: "Poskusi naslikati svoj dejanski navdih - ne kar bi te navdihnilo."

In ne mislim, da bi to zvenelo tako zoprno ali tako pretenciozno. Mislim, ko enkrat začnemo slikati, je edini svet, v katerem živimo, tam na štafeti pred nami - nikjer drugje.

Ne glede na pogled, prizor ali idejo, ki nas je morda navdihnila za slikanje, je slika dolgoročno pomembna. Po mojem mnenju je umetnikova naloga, da v našo sliko prinese edinstven čustveni vpogled in vizijo; za razlago tega, kar vidimo, ne samo poskušati izdelati faksimile.

Kaj iščete - ali kaj vas najbolj pritegne - pri potencialnih predmetih?

Verjamemo, da umetniki vedno slikajo - tudi ko nismo na stojnici. Ko se premikam po svetu, nenehno opažam prepričljive vzorce teme in svetlobe. In to je tisto, kar me navdihuje veliko več kot dejanske stvari ali prizori.

Toliko mojega dela je informirano in oblikovano s svetlobnimi vzorci. Ampak tisto, kar me resnično navdihuje, so širše ideje o povezavi - dialoga in napetosti - med nasprotnimi silami: temno in svetlobo, senco in senco, toplo in hladno, izgubljeno in najdeno itd. Je v nasprotju in občasnem mostu ločljivosti med te nasprotujoče si sile, da je mogoče najti vsa vprašanja, ki jih želim svoji umetnosti.

Ali skicirate lokacijo, delate s fotografijami ali oboje?

Nikoli ne grem brez skicirke. Če na mestu ne znam risati, kar bi si želel, bom vedno naredil hitro, grobo skico, karkoli me je navdihnilo. Te skice so veliko bolj kot fotografije neprecenljivo orodje, saj beležijo moje vtise, moje reakcije, moje občutke glede potencialne slike.

Torej, če se dneve ali celo mesece pozneje odločim, da bom naslikal nekaj, kar me je navdihnilo, me lahko ti vtisi v moji skici pripeljejo nazaj na tisti kraj, tisti trenutek, in spomnil se bom, kako sem se počutil in zakaj sem hotel slikati na prvem mestu. Te pogosto dopolnjujem tudi s fotografijami, vendar poskušam slikati več iz svojih skic kot iz fotografij, saj skice vsebujejo več dejanskih umetnin.

Vaše slike so prepoznavne po zvočni zasnovi in ​​vrednostnih kontrastih. Ali izdelujete skice sličic svinčnika ali študije vrednosti?

Da, skoraj vedno. Takšne skice niso vedno nujno potrebne, vendar jih skoraj vedno počnem vseeno.

Pomagajo v mojo zavest zasidrati osnove potencialne slike - najboljši format, vrednote, organizacijo in kompozicijo temnih in svetlih oblik. Prav tako mi povedo, kateri elementi so bistveni in katere podrobnosti lahko uredim, da moja slika najbolj učinkovito pripoveduje svojo zgodbo, ne da bi bilo vključeno nič nepotrebnega.

Tudi moj cilj je, ko slikam, da manj razmišljam in čutim več. Tako da so te skice odličen način, da vse svoje misli predhodno umaknem. Potem lahko slikam iz bolj čustvenega, intuitivnega stališča, kot bi sicer lahko.

Na mnogih slikah so arhitekturni predmeti, ki vključujejo perspektivo. Ali naredite veliko predhodnega risanja, preden začnete?

Ne. Vse naredim prosto na končni površini brez posebnega orodja ali predhodnih perspektivnih konstrukcij. Po pravici povedano sem bil komercialni arhitekturni akvarelist več kot 20 let, tako da mi je risanje v perspektivi postalo druga narava.

Vaše slike so znane po svoji presenetljivi barvi in ​​občutku vzdušja. Ali pripravljate predhodne barvne skice?

Sama mislim, da sem bolj vreden slikar. Še veliko se moram naučiti o - no, vse - a zagotovo o barvi. Pomembno se mi zdi, vendar manj kot uspešna kompozicija pik in luči. Nobena barva ne bo prihranila slike, ki trpi zaradi različnih vrednosti, ki jim primanjkuje dinamike ali moči.

Pred leti je bila ena mojih prvih učiteljic velika Jeanne Dobie, ki ostaja ena naših največjih barvistk. Še naprej se učim iz njenih naukov. Od nje sem se naučil moči dopolnilnih tonov in od takrat se prilagajam in razširjam na to temo. Delam skoraj izključno v komplementarjih.

Atmosfera, zadovoljujoča napetost in elektrika v akvarelu, ki jih je mogoče doseči, ko ena barva izkrvavi, je navdušujoča - in kot nič drugega, kar bi bilo mogoče uspešno opraviti v drugem mediju.

Včasih bom naredil predhodno barvno študijo, običajno pa ne. Vendar imam v mislih vedno osnovni barvni načrt, bazo dveh komplementarnih tonov, ki bosta postajala ton slike. In pustila sem, da se slika razvija od tam, kot hoče.

Obstaja nekaj barv, na katere se zdi, da se zanašate - kot stari prijatelji?

Mislim, da je tako, vendar je bolj natančno reči, da obstajajo posebne barvne kombinacije, na katere se dosledno zanašam. To so skoraj vedno dopolnila, topla in hladna. Torej je kobaltno modra vrsta mnogih palet, tudi moja. Nikoli pa ne pomislim na hladen Cobalt Blue brez njegovega toplega dodatka - svetlo rdeče ali kadmijeve oranžne, najpogosteje zame.

Enako velja za globlji register za Ultramarine Blue in Burnt Sienna; tudi vijolične in rumene, rdeče in zelene različnih odtenkov. V zadnjem času eksperimentiram s slikami, pri katerih uporabljam predvsem samo eno barvo, modre odtenke ali morda vijolično. Nato je zanimiv izziv in vznemirljivo gledanje moči, ki jo ima lahko ena majhna pika oranžne barve v modro barvi ali majhna rumena barva v popolnoma vijolični barvi.

Ali obstajajo nekatere barve, ki se jim poskušate izogniti iz kakršnih koli razlogov, osebnih ali tehničnih?

Veliko raje imam pigmente, ki temeljijo predvsem na usedlinah. Ker uporabljam dokaj teksturirane papirje, so ti pigmenti ponavadi nekoliko težji, če so v vodni raztopini in se tako potopijo na dno pranja - se naselijo v vdolbine papirja in tečejo po vrhovih. Posledica tega so slike s prosojnim, teksturiranim bleščicami, ki so lahko tako značilne za akvarel.

Iz istega razloga se izogibam bolj pigmentom na osnovi madežev. Preprosto bodo barvali površino papirja in po mojem mnenju bo delo lahko videti bolj ravno - manj živo.

Kakšno vrsto papirja imate najraje?

Znotraj razuma je bolj teksturno bolje (zaradi zgoraj navedenih razlogov). Najpogosteje uporabljam Saunders Waterford ali Fabriano Artistico s grobo površino. Običajno se izogibam debelejšim papirjem, ker ponavadi absorbirajo preveč pigmenta in lahko poravnajo videz dela, ko se posuši. Torej 140 lb (300gsm) je teža, ki jo ponavadi imam najraje.

Arches ima lepo teksturo, vendar ponavadi veliko velikost. Čeprav je odličen za trše robove, ni vedno tako dober za učinke mokri v mokrem. Z mehkejšimi papirji, kot je Saunders, se bo mokra barva / vodna raztopina dobesedno pomešala znotraj vlaken papirja.

Ali običajno pripravite svoj papir - tako, da ga navlažite, montirate itd.?

Če delam v večjem obsegu - velikost celega lista in več - bom papir navadno zložil na nosila, da se izognem težavam z izboklinami. Če uporabljam veliko veliko zalogo, jo pred namakanjem namočim in raztegnem.

Toda za manjša dela - velikost polovice ali več - je običajno dovolj le lepljenje papirja na desko. Lahko se nekoliko zaskoči, ko je precej mokro, vendar se popolnoma posuši.

Lahko takoj poveš, kdaj stvari na sliki ne delujejo dobro?

To je odlično vprašanje, vendar brez jasnega odgovora. Rekel bi, da tudi kadar pomislim, da znam povedati, se pogosto motim. Pravzaprav se motim, da to vprašanje sploh postavljam.

Pogosto se lahko zgodi, da imamo v glavi vnaprej sestavljeno predstavo o tem, kako verjamemo, da bo slika "morala" iti, ali kako naj bi "izgledala". A nekje ob poti zavijemo levo in slabo reagiramo. To je napačen odgovor. Začetek teh zamisli za začetek in učenje poslušanja svoje slike, ko se razvija, je pravi.

Slika pogosto ve, kaj hoče ali potrebuje več kot ti. Kar se še naprej učim, je pomembnost splošnega načrta, pa tudi to, da sem pripravljen izpustiti ta načrt, če mi slika pokaže, da hočem iti v drugo smer.

Akvarel je medij, ki ga ni mogoče in ga nikoli ne smemo v celoti nadzorovati ali obvladati. Ko se v procesu slikanja izgubim - ko izklopim svoj kritični um in samo slikam iz intuicije in občutka - bom vedno izšel z uspešnejšo sliko, kot bi jo, če bi poskušal upogniti in prisiliti medij v neko vnaprej škatla. Rezultat slike je lahko zelo drugačen od tistega, za kar sem si sprva zamislil, da bi bil. A skoraj vedno bo bolje.

Kateri je najboljši nasvet, ki ga lahko ponudite mlademu, prizadevnemu umetniku akvarela?

Moj najboljši nasvet za večino vsakogar na katero koli temo bi bil, da ne upošteva preveč nasvetov. To resnično mislim, in to ne na nikakršen ironičen način. Ja, seveda bi se morali učiti od mojstrov; bi se morali učiti in jih navdihniti. Lahko nam odprejo oči in nam olajšajo pot.

Toda na koncu, da postanemo dobri v vsem, moramo biti vsi samo pripravljeni vložiti čas in trud, da bomo spoznali sebe in ubrali lastne poti. Šele s tem lahko upamo, da bomo našli svoj glas, se seznanili s svojimi strastmi in viri navdiha.

In kolikor je mogoče, bi se morali truditi, da se ne primerjamo preveč s kom drugim. To lahko postane nekakšen strup. Goji vrsto nezdrave konkurenčnosti in lahko spodbudi tako nepotrebno samo dvomanje kot nepotrebno samo-ponos - oba nevarna pasti.

Nesmiselno je verjeti, da bomo kdaj lahko popolnoma obvladali akvarel. Morali pa bi slikati, kot da verjamemo, da zmoremo. Želim, da bi vsi radi težili k prizadevanju, učenju in izboljšanju - slikanju s slikanjem - kot veselo življenje.

Navsezadnje ni nobenega pravega načina za barvanje v akvarelu ali za večino stvari. Obstaja samo najboljši način za vas, le način, kako se lahko oblikuje vaš edinstven glas in ga slišite pripovedovati zgodbe, o katerih ste sami vedeli besede.

Več o Thomasu Schallerju

Po dvajsetletni karieri v New Yorku kot arhitekt in arhitekturni umetnik Thomas Schaller ima sedež v LA-ju, kjer polno zaposlen kot likovni umetnik slika v akvarelu. Podpisni član AWS in NWWS, Tom je bil pred kratkim izvoljen tudi za člana umetniških umetnikov v kalifornijskem umetniškem klubu in klubu Salmagundi v NYC.

Schallerjevo delo je bilo sprejeto na mnogih prestižnih razstavah po vsem svetu - vključno z ameriško razstavo mojstrov, NYC; Ameriško akvarelno društvo; Nacionalno akvarelno društvo; razstava zlate medalje kalifornijskega umetniškega kluba; Shenzhenski bienale akvarela, Kitajska; Mednarodni bienale akvarela Zhujiajiao na Kitajskem; Razstava Mojstri akvarela, St. Petersberg; Svetovna vodna razstava na Tajskem; Acquarello v Fabrianu, Italija; Eau en Couleurs, Belgija; Salon de L´Aquarelle du Haillan, Francija.

Primeri njegovega dela so bili pred kratkim dodani v stalne zbirke Muzeja za arhitekturno risanje fundacije Tchoban v Berlinu in Pacific Arts Foundation v Newport Beachu. Tom je avtor dveh knjig; najbolj prodajani in nagrajenec AIA,Arhitektura v akvarelu inUmetnost arhitekturnega risanja. Trenutno dela na svoji tretji knjigi, pred kratkim pa je izdal video in DVD-serijo: Zajemanje svetlobe v akvarelu: slika v sliki, ki je na voljo zdaj.

Več o Schallerju in njegovi umetnosti lahko izveste na njegovem spletnem mestu.


Poglej si posnetek: Do Robots Deserve Rights? What if Machines Become Conscious? (Julij 2022).


Komentarji:

  1. Yvon

    This theme is simply matchless

  2. Uisdean

    koristne informacije

  3. Kagat

    read - liked it

  4. Judy

    Nimaš prav. Moramo razpravljati. Pišite mi na PM.

  5. Dugor

    thanks

  6. Atl

    si izmislil tako neprimerljivo frazo?



Napišite sporočilo