Profili izvajalcev

Sodobni umetnik akvarela John Salminen deli modro trdnost

Sodobni umetnik akvarela John Salminen deli modro trdnost


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Ekskluzivni intervju z mojstrom akvarela: Johnom Salminenom

Vsakič, ko pogledam delo Johna Salminena, se preprosto razveselim. Vsak trenutek preučim v vsaki sliki - v barvah, kompozicijah, pripovedih, oblikah - in ta vizualna absorpcija mi samo poživi duh. Zato sem med mnogimi drugimi navdušen nad John Salminenom, ki je porotnik za10. letna mednarodna razstava vodnih medijev.

Njegovo strokovno znanje in številna umetniška priznanja so idealna porota za to tekmovanje. Ne le da poučuje in sodeluje v slikarskih dogodkih po vsem svetu, temveč je tudi podpisnik Ameriškega akvarelnega društva, Nacionalnega akvarelnega društva in Društva transparentnih akvarelov v Ameriki.

Salminen je na nacionalnih in mednarodnih razstavah osvojil več kot 220 nagrad, povabljen umetnik pa je bil na številnih mednarodnih razstavah akvarela na Kitajskem, Singapurju, Tajvanu, Tajskem, v Rusiji, Turčiji, Mehiki, Italiji, Belgiji in Avstraliji.

Več o Johnu Salminenu, priznanem porotniku za vodno razstavo Watermedia, preberite v tem ekskluzivnem intervjuju spodaj. Uživajte!

Kako vas je zanimala akvarel?

Moje zanimanje za akvarel se je začelo v začetku osemdesetih let, ko sem se imel priložnost učiti pri Cheng Khee Chee. Predaval je na podaljšanih tečajih na univerzi v Minnesoti Duluth.

Z učiteljem likovne umetnosti sva se prijavila na več razredov, ki sta segala približno v dveletni časovni okvir. To ni bila moja prva izkušnja z akvarelom, vendar je bil zagon potreben, da sem se resno zavezal mediju.

Naučil sem se veliko uporabnih tehnik, najpomembneje pa je bilo, da sem zasnovan v akvarelu intriganten. Vedno bolj se zavedam pomena solidno razvite zasnove, ki temelji na oblikovanju.

Bolj ko sem slikala, bolj sem se zavedala, koliko se moram naučiti. Menim, da še vedno gradim na informacijah in spretnostih, ki sem jih pridobil med poukom.

Kdo so bili umetniki akvarela, ki so vas najbolj navdušili?

Začel sem kot abstraktni ekspresionistični slikar. Koncepti in pristopi DeKooninga in Franca Kline so mi še vedno v središču, ko začnem novo sliko.

Ko sem reprezentativno začel slikati v akvarelu, je imel močan vpliv gospod Cheng Khee Chee. In sprva sem hotel slikati tako kot on. Hkrati sem se učil od kalifornijskih slikarjev - velikih hitrih in ohlapnih plenarjev, ki so poganjali medij naprej.

Robert E. Wood in Morris Shubin sta mi ponudila še en način, kako vključiti dizajn v svoje kose. Frank Webb je zgovorno pisal o tej temi, jaz pa sem natančno preučil njegov pristop.

Ko sem postal bolj spreten, sem začel prevzeti svoj slog. Moji vplivi so postali bolj fino uglašeni.

Medtem ko ne poskušam posnemati dela ali sloga drugih slikarjev, navdih več umetnikov. Sedanja uporaba bogatih sivk Deana Mitchella, žareči prehodi Josepha Zbukvića s srednjo vrednostjo in sposobnost Mary Whyte na čustveni ravni gledalca privlači gledalca.

Medtem ko poučujem, sodim, obiskujem razstave in si ogledujem delo v knjigah ali po družabnih medijih, vidim bitove in koščke slik, zaradi katerih razmišljam, kako bi določen učinek ali celo vrsta udarca čopiča lahko vplival na moje delo. Vse, kar vidim, lahko spremeni moje razmišljanje in subtilno vpliva na moje delo. Vedno bom študent in natančno opazovanje del slikarjev, ki jih občudujem, mi pomaga na poti k izboljšanju.

Kaj iščete - kaj vas najbolj pritegne - ko iščete potencialno temo?

Delam na fotografijah, ki jih posnamem na lokaciji, pri čemer kot iskalnik uporabljam iskalo fotoaparata. Iščem spremembe vrednosti in zanimivo sestavo, ko določim, kdaj naj kliknem na zaslon. Ti isti elementi mi pomagajo ugotoviti, katero izmed mojih številnih referenc fotografij izbrati za sliko.

Ko izberem zadevo z močno sestavo, postane moja naloga, da jo napolnim z dodatno vsebino, ki bo govorila z gledalci. V ta namen pogosto dodajam številke in spreminjam razpoloženje in vzdušje s prilagajanjem strukture vrednosti, da dam občutek časa in kraja.

Nekateri subjekti se "zgodbi" lažje podeljujejo kot drugi. To je del izziva pri ustvarjanju slike, s katero se lahko ljudje nanašajo.

Na številnih slikah so dobro znane lokacije. Se vam zdi, da vam to pomaga pri vzpostavljanju razpoloženja ali povezavi z gledalcem?

Z uporabo predmetov, na katere se lahko gledalci nanašajo, jih povabim k interakciji z delom. Eden izmed mojih ciljev je gledalcu pokazati nekoliko drugačen pogled na znano ikono.

Vaše delo je znano po močni zasnovi kompleksnih tem. Ali naredite majhne predhodne ocene ali vrednostne študije?

Dolga leta sem si narisal skice po skicirki s podrobnimi risbami, narejenimi na lokaciji. Nato sem se vrnil v svoj studio in narisal skice s pogledom na obliko, kompozicijo in vrednost.

Druga risba je postala moj osnutek slike, moja skica na kraju pa je zagotovila prepričljive podrobnosti. Po tolikšni praksi s tem oblikovalskim pristopom, ki je ustvarjal vrednostne vzorce, dinamične oblike in zanimive kompozicije, zdaj čutim, da sem ta načela ponotranjil.

Med fotografiranjem in skeniranjem v slikarskih referencah lahko prepoznam močan predmet. Vendar pa še vedno doodlem med pogovorom po telefonu. Ko imam malo dodatnega časa, ga rad porabim za izdelavo abstraktnih aranžmajev temnih, srednjih in svetlih vrednosti - kompozicija na njeni najbolj nujni ravni. Ko uspešni glasbeniki še vedno vadijo tehtnice, še naprej komponiram.

Ko bosta sestava in smer slike določena, nadaljujete brez večjih predhodnih del?

Ko vidim, kaj želim slikati, naredim obsežno risbo, preurejanje in preoblikovanje, kot sem to storila v moji skici. Vrednost trdne risbe je, da me med slikanjem sprosti, da se osredotočim na razpoloženje in počutje.

Ker so moje slike pogosto precej velike, me risba ohranja v stiku z mojo prvotno namero. Čas, porabljen za ustvarjanje risbe, se povrne med slikanjem.

Ugotovil sem, da je pomembno, da sliko pogosto postavljam in si jo ogledam skrbno in kritično. Slika pogosto razvije lasten glas in včasih predlaga novo smer.

Kaj nam lahko poveste glede učinkovite uporabe nevtralnih snovi in ​​omejene barve? Tako dobro uporabljate temne vrednosti in globoke sence. Ali kdaj uporabljate črno - če le za dodaten udarec?

Moja uporaba nevtralizirane barve temelji na konceptu uprizoritve. Z ustvarjanjem skrbno orkestrirane slike, ki uporablja dopolnilne mešanice in bogato mešanico siv, lahko z majhnimi količinami čiste in svetle barve ustvarim dramatičen naglas.

Kot dramatičen poudarek uporabljam tudi črno svetilko, čist črn pa postavim v del slike, ki je že namenjena zelo temnim mešanim črnim barvam (na primer alizarin grimizna in ftalo zelena ali ultramarinsko modra in zgorela barva, na primer). Črna svetilka daje svetilnost okoliškim temnim prehodom in zagotavlja dodatno zaskočnost, potrebno za ustvarjanje temnega poudarka.

Uporabite referenco fotografij za svoje studijske slike. Ste že opazili resnične pomanjkljivosti pri delu s fotografijami?

Pri delu s fotografijami obstaja potencialno tveganje. Umetniki včasih preprosto kopirajo tisto, kar je posnela kamera ali delajo iz fotografij, ki so jih posneli drugi ljudje. To bi lahko omejilo umetnikove sposobnosti, da izrazijo svoje individualne ustvarjalne vizije.

Veliko let sem poučeval fotografijo in verjamem, da so estetski standardi, po katerih ocenjujemo fotografijo, drugačni od tistih, ki jih uporabljamo za presojo slike. Prosto povečanje fotografije z barvo se zdi neumno. Fotokopirnica lahko to naredi hitreje in ceneje.

Moj izziv pri uporabi referenc fotografij je ustvariti delo, ki se opira na slikarsko ravnanje z medijem in izkoristi moje možnosti za izboljšanje in izboljšanje resničnosti scene. Na svoje subjekte imam pogosto čustveno reakcijo. To, kar vidim, je obarvano s seštevkom mojih lastnih izkušenj.

Na primer, včasih so na moj pogled na prizorišče vplivali lepi opisni odlomki avtorjev, kot je Saul Bellows. Ali se spomnim, kako sem se počutil, ko sem stal na lokaciji in gledal skozi svoje iskalo. Spominjam se ropotanja dvignjenega vlaka ali vonja praženih ogrcev pri bližnjem prodajalcu. Vsi ti dejavniki, ki prispevajo, dodajo elemente moje slike, ki niso bili vključeni v prvotno fotografijo.

Fotografija zvesto beleži podrobnosti. Moram dati prednost tej podrobnosti, jo interpretirati in upam, da jo bom še izboljšal. Te stvari v kombinaciji s kakovostjo znamke na strani razlikujejo sliko od fotografije.

Na trenutke delate z več različnimi fotografijami iste teme?

Velikokrat kombiniram slike za izboljšanje kompozicije ali izboljšanje zgodbe, ki jo pripovedujejo.

Kateri papir imate na splošno najraje - blagovno znamko, hladno stiskanje, vroče stiskanje itd.

Najboljši papir za moj slikarski postopek je d'Arches hladna stiskalnica s 140 lb, v polnih listih, velikosti slona ali večjih kosov, razrezanih iz zvitkov. Popolnoma ustreza mojim potrebam.

Ali na kakršen koli način pripravite svoj papir - ga navlažite, raztegnete itd.?

Papir preprosto prilepim na košček penastega jedra, pri čemer trak približam približno 1/2 palca od roba papirja. Uporabljam penasto jedro, ki sem ga narezala na enake zunanje dimenzije moje preproge in kosa iz pleksi stekla, kar mi omogoča enostavno drsenje slike za preprogo.

Pleksi steklo povrne sijaj na površino. Ta preprost sistem spodbuja pogosta obdobja razmišljanja, ko se slika pojavi.

Imate nekaj barv, na katere se zanašate, in nekatere, ki se jim zaradi kakršnega koli razloga poskušate izogniti?

Moje najljubše barve so zelo tradicionalne. Moja paleta se v mnogih letih ni veliko spremenila. Alizarin Crimson in Pthalo Green sedita drug ob drugem, prav tako Ultramarine Blue, Burnt Sienna in Burnt Umber. To so kombinacije delovnih konj mojih nevtralnih barvnih shem.

Druga kombinacija, ki mi je všeč, je Cerulean Blue in kadmij oranžna, da ustvarite nekaj bogatih težko določljivih barv. Moj edini nedavni dodatek je najljubši praktično vsem: Quin Gold. Uporabljam pa jo previdno, saj želi biti zvezda šova, ali si to želim ali ne.

Moje najljubše mešanice se pojavijo po nekaj dneh slikanja, ko se začne gnojevka sredi moje neoprane palete začeti zanimati.

Osebno se izogibam vsem rumeno-zelenim. Edina zelena v moji paleti je ftalo, ker je hladna in se dobro meša z drugimi barvami.

Vaše plenarne slike predstavljajo prijeten, a popolnoma drugačen slog. Ali so prispevali k razvoju vašega stilskega slikarstva v studiu?

Moje studijske slike trajajo 40–60 ur. Ker zelo uživam v slikanju, to zame ni problem. Tako sem potopljen v majhne abstrakcije, ki se pojavljajo, ko nanašam notranje podrobnosti, da bi lahko še naprej slikal za vedno.

Vendar so me nedavno povabili, da se udeležim plenarnih slikarskih potovanj na Kitajskem in drugje. Moj studijski slog ne bi bil izvedljiv, zato sem obnovila svoje korenine - kalifornijski hiter in ohlapen slog. Meni je prijetno in je primeren za osnovne zasnove, ki sem jih razvil v preteklih letih.

Uživam, da lahko v eni uri dokončam sliko in vedno bolj sem zadovoljen z rezultati. Mislim, da te izkušnje krepijo moje studijsko delo, ker me znova vzpostavljajo v stiku s čudovitim svetlobnim vidikom hitro nanesenih pranj - nekaj, kar se včasih v studiu izgubi.

Ko s kamero hodim na ulice, ustvarjam slike v isti miselnosti kot takrat, ko slikam zunaj iz prve roke. Ni toliko odklopa, kot se morda zdi. Največja razlika je v tem, da ko slikam na prostem, namesto svojega najljubšega v studiu uporabljam skoraj izključno kvadratne ščetke, ščetkasto četico.

Kateri je najboljši nasvet, ki ga lahko ponudite mlademu, prizadevnemu umetniku akvarela?

Velikokrat slišim to vprašanje: "Kaj lahko naredim, da bom boljši slikar?" Ali ga vpraša začetnik ali izkušen umetnik, ki upa, da se bo izboljšal, je odgovor vedno enak - POROČITE VEČ! Bolj ko slikamo, boljši postanemo in bolj uživamo.

Prav tako bi predlagal, da bodo mladi umetniki akvarela poskušali najti kraj, kjer bodo slikali, kjer ni treba ločiti in nastaviti za vsako sliko slikanja. Ni pomembno imeti domišljijskega studia - samo mesto, kjer lahko barve in papir ne puščate.

Umetniki, ki čakajo, da se muza oglasi, lahko včasih čakajo dolgo. Ta čas lahko preživimo z vadbo, honiranjem slikarskih sposobnosti. Ko se boste resno zavezali in prednost namenili iskanju časa za redno barvanje, bo sledilo ostalo. Kot vse ostalo, kar si v življenju prizadevamo obvladati, je tudi praksa odgovor.

Pomembno je tudi, da ne dovolite, da bi ovire ali zavrnitve postale moteče ali moteče. Svoj napredek ocenjujem v petletnih korakih in ne od ene do druge slike.

Ne prikazujem iste slike na več kot eni tekmovalni razstavi in ​​predlagal bi, da tudi drugi slikarji storijo enako. Po mojem mnenju bo gledalce manj zanimala slika drugič, ko jo bodo videli, še manj pa tretjič.

Namesto, da bi se opiral na eno zelo uspešno sliko, bi slikarje spodbudil, da se vrnejo v atelje in si prizadevajo, da bi bil še boljši. Tako osebna rast kot umetnika kot razvoj gledalca bosta prišla do tistih umetnikov, ki se zavzemajo za dosego cilja, ki si ga vsi delimo - dajmo vse od sebe.

Prispevki v prispevku Paul Sullivan; vse fotografije izvzete iz knjige Johna Salminena, John Salminen, mojster urbane krajine, ki si ga lahko ogledate tukaj.

Predstavite svoje talente Watermedia

Zdaj, ko ste izvedeli več o življenju, umetnosti in nasvetih Johna Salminena, zakaj ne bi preizkusili svoje sposobnosti?

Predložite svoje slike watermedia na 10. letno mednarodno razstavo Watermedia, če želite dobiti eno od več neverjetnih nagrad.Izvedite več o tekmovanju, nagradni ponudbi in o tem, kako se prijaviti tukaj. Vso srečo, umetniki!


Poglej si posnetek: Njegovo Velicanstvo AKVAREL by Zoran Zograf Suvajac (Julij 2022).


Komentarji:

  1. Mandel

    V tem je nekaj. Hvala za razlago, preprostejši, bolje ...

  2. Zusar

    Policaj je enostavno prestrašiti

  3. Taur

    Kakšna čudovita tema

  4. Asaf

    Baldezh, daj no



Napišite sporočilo