Življenje umetnika

Kratek pogovor s Frankom Eberjem

Kratek pogovor s Frankom Eberjem


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Drugi v ekskluzivni seriji Daily Artist:
Mojster ameriške akvarele - Frank Eber

Kako vas je zanimala akvarel?
Resnično me ni zanimalo šele pred približno 15 leti, ko sem prvič videl sliko Percyja Greya. Akvarel sem vedno povezal s slikami mladičkov v košarici, vinjetami z veliko belega papirja ali nečim, kar bi videli na znaku na gradbišču. Nisem mogla verjeti, da bi lahko kdo slikal tako v akvarelu. Slika, kot pravi umetniški del! Da, bil sem zelo velik del množice, ki na akvarel gleda kot na "medij skice".

V bistvu sem se izobraževal v mediju, študiral britansko akvarelno sceno iz 19. stoletja, kalifornijske slikarje in "kalifornijske Barbizone" iz zgodnjega 20. stoletja. Pripadal sem naravni moči medija, da bi prenašal razpoloženje, vzdušje in mehko ton. Treniral sem olje in gvaš; od gvaše je bil majhen korak do akvarelne slike.

Kdo so bili slikarji akvarela, ki so vas najbolj navdušili?
Moja junaka sta Percy Gray in Marion Wachtel iz gibanja Scena California in Edward Harrison Compton. Kasneje me je navdihnil tudi Andrew Wyeth. Moral bi seveda omeniti tudi John Singer Sargent!

Moram reči, da so me vedno bolj navdihovali slikarji z oljem, kot so Corot, Compton, Zorn, Sargent ali Carl von Marr. Fasciniran sem, da slikam akvarel tako kot slikar z oljem in dejansko sem uporabil veliko tehnik oljnega slikanja pri svojem akvarelnem delu. Nič novega, slikarji britanskega akvarelnega gibanja so to tudi storili.

Kaj iščete - kaj vas najbolj pritegne - ko iščete potencialno temo?
V sliko se lahko spremeni skoraj vse. Rad imam bucolične prizore, vendar tudi veliko portretov in urbanih prizorov. Predmeti za tihožitje so lahko tudi super! Večinoma gre za svetle in temne vzorce, ne toliko za to, kar je! Nekoč je slikar rekel: "Glava je nekaj, kar izbereš, če luč pada." To velja tudi za krajinsko slikarstvo. Hlev lahko v pravem luči izgleda spektakularno in super dolgočasno na dolgočasen dan! Iščem tudi elemente oblikovanja. Pri slikanju človeške figure me privlačijo čustva, izražanje in kretnje.

Rekli ste, da je slikanje na lokaciji - na prostem - največji učitelj.
Lahko izpopolnite?
Plenarno slikanje te nauči, da delaš pod pritiskom in nekaj izdeluješ. Karkoli. Motnje, da se osredotočite, bodo odvrnile motnje, kot so spreminjanje svetlobe, muhe, vetra, prometa in nadležnih gledalcev.

Slikanje na prostem mi je pomagalo bolje razumeti barvo in vrednost. V naravi so zelo nežne spremembe barv in vrednosti, ki jih fotoaparat težko pobira. Ko slikate na lokaciji, lahko vidite, vonjate, občutite in se dotikate svoje vsebine. Nekaj ​​te energije gre v delo.

Ali menite, da obstajajo nekatere omejitve plenarnega slikanja?
Definitivno. Čeprav je tisto, kar sem prej rekel, resnično, zunaj je zelo težko narisati bolj premišljene, natančnejše (ne nujno bolj podrobne) ali večje slike. Spreminjanje lahkih situacij vas prisili, da sprejemate hitre odločitve, ki so lahko dobre, niso pa vedno boljše. Tišji, nemoteni pristop lahko prinese bolj elegantno in prefinjeno sliko. Poleg tega lahko v studiu iz fotografskih materialov, tj. Prizorišč minut pred sončnim zahodom itd., V studiu opravite le zadnje minute.

Kaj mislite, če gledate prizor z slikarskimi očmi?
Slikarji vidijo, kaj predmeti in oblike delajo, tako se medsebojno prenašajo glede na svetlobo, vrednost, barvo in obliko. Slikarjev ne skrbi toliko, kaj je, vidijo le, kakšen učinek ima svetloba nanj. Ne-umetniki vidijo predmete takšne, kot so, to je avtomobil, drevo ali zgradba. Pogosto sploh ne vidijo igranja svetlobe in sence. To se nanaša tudi na tretje vprašanje v zvezi z vsebino.

Ali menite, da lahko slikar pri slikanju na lokaciji preveč spremeni ali uredi prizor?
To je enostavno storiti. Veliko slik sem zmedel. Mislim, da je ključno predvsem to, da prepoznamo, o čem se dogaja scena. Če razumete, postopek urejanja ni tako težek. Ker se večinoma ukvarjamo s preveč informacijami, mora biti postopek urejanja hiter in odločen ter podpirati vizijo in zgodbo, ki jo pripovedujete, ne pa da odvzame bistvu poslikanega.

Spreminjanje prizora (ne le urejanje) je veliko težje in stvari lahko hitro gredo narobe. Zelo težko je sestaviti drugačno svetlobo. Nekoč sem hotel v Nemčiji naslikati kip Albrechta Dürerja, potem ko sem ga videl v čudoviti luči. Na slikarski dan seveda ni bilo sonca in nisem fotografiral. Poskušal sem to narediti iz spomina, vendar se je zdelo narobe, nekako ponarejeno. Ne vem, kaj je bilo. Torej drastična sprememba prizora je težaven posel in tega ne priporočam. Izdelava sence ni tako naporna ali nekoliko spreminjanje določenih barv lahko včasih izboljša sceno, vsekakor pa se izogibam večjim spremembam.

Vedno ste poudarjali pomen vrednot in vzorcev vrednosti. So ključi - izhodišča - za dobro sliko?
Predvidevam, da bi jih lahko imenovali izhodišča. Ključ do dobre slike je kombinacija več različnih stvari. Opažanje vrednostnega vzorca je vsekakor pomemben prvi korak. Najprej moramo videti nekaj, kar vzburja našo umetniško dušo. Če želite drugače odgovoriti na vaše vprašanje, mislim, da je za dobro sliko najpomembnejše navdih. Navdihniti se moramo. To je velika, velika stvar! Brez navdiha začnemo z gibanji slikati »isto staro, isto staro« in umetnost začne biti videti formularno in dolgočasno. Umetniška planota bi bila, ko se slikar odpravi po svetu in ustvari isto videz, ne glede na to, kje je naslikan!

Ali naredite študije majhnih vrednosti ali predhodne barvne grobe?
Študije vrednosti izvajam samo, če obstaja nekaj o prizoru, ki ga ne razumem v celoti ali ga znam razrešiti. Takrat lahko študija vrednosti resnično pomaga. Če šele začnete slikati, jih toplo priporočam in jih izvajamo tudi na mojih delavnicah. Ne delam predhodnih barvnih grobih barv, raje samo naslikam majhno sliko.

Ko že govorimo o študijah vrednosti: S poučevanjem sem ugotovil, da je veliko študentov, ki lahko črno-belo izvlečejo pravo lepo študijo vrednosti in takoj po tem popolnoma ne uspejo narediti barvne različice. To mi je govorilo, da lahko študij vrednosti naredi le toliko in sem začel ustrezno spreminjati svoje poučevanje.

Na mnogih vaših slikah so zapleteni predmeti, kot so zgradbe in avtomobili. Koliko predhodnega risanja naredite?
Predhodna risba je zelo pomemben del mojega slikarskega postopka. Risba je duša slikanja, vse je odvisno od tega. Zelo uživam v risbenem delu in nekaj dni je zame merilo, kako bo slika potekala. To se sicer sliši čudno, a resnično je resnično: če bom med risanjem strog in neprecenljiv, bom najverjetneje prenesel na sliko! Če je moja risba najprej počasna in negotova, se resnično poskušam sprostiti, stresti roko in izprazniti glavo, da se umirim. Ko imam lepo svinčnik, vem, da bom dobro slikal. Vse je povezano. Kot pravi pregovor: "Vse je v tvoji glavi."

To me spominja na še eno nesrečno stvar, ki jo pri študentih vidim veliko: dejansko ne verjamejo, da lahko dobro slikajo. Nadzira jih strah, ki ni nič drugega kot ego, kajne? Se bojite, da niste dovolj dobri itd. Itd. Stvar je v tem, da se ne morete umetniško izraziti, če se bojite.

Katere so največje pomanjkljivosti dela s fotografijami?
Če v resničnem življenju ne doživiš prizora, ima s seboj nekaj težav. Moj cilj pri plenarnem slikanju je vedno ujeti razpoloženje prizora, kolikor je mogoče. Na fotografiji je težko občutiti razpoloženje, ne da bi bili tam. Če slike fotografirate sami, ko ste na lokaciji, je to dobro in bo v veliko pomoč pri barvanju.

Druge pomanjkljivosti so, da kamera izkrivlja sliko, čemur pravim učinek leče ribje oko. To je še posebej težavno v mestnih prizorih. Če stojite na ulici in gledate po ulici, poskusite držati fotoaparat na ravni oči in primerjati sliko zaslona s tistimi, ki jih vidijo vaše oči. Kamera vanj vloži preveč, tudi stvari, ki so deset metrov desno. Vedno poskrbim, da povečavo približam svoji "resnični velikosti".

Še ena slaba stvar se zgodi, ko poskušate fotografirati visoke zgradbe. Ni mogoče storiti! Na fotografiji na koncu izgledajo kot koničasti trikotniki!

Ali imate nekatere barve, na katere se zanašate čas za čas, in druge, ki se jim poskušate izogniti?
Seveda! Vedno uporabljam vse barve v naravi! Blues, rdeče in rumene ... o, in zemeljski toni! Tu se samo še pol šalim!

Večina mojih večjih pralnih sredstev je mešanica temeljnih snovi. Uporabljam uporabne barve, kot so kobaltova turkizna (viridijan v oljnih pigmentih) ali ultramarinska vijolična - v osnovi sekundarne barve in mešanice. Za primarne snovi uporabljam kobaltno modro, karmin in veronski zlati oker ali ultramarinsko modro, magenta in žgano sieno.

Izogibam se barvanju pigmentov, kot je pruska modra ali karkoli, kar se začne s "Thalo". Vedno slišim, da imam "omejeno paleto", vendar ne verjamem. Kako je omejeno, če uporabljam vse primarne in sekundarne barve?

Kateri papir imate na splošno najraje?
Všeč mi je blok Arches, 140 lb, hrapav. Želim si le, da so izdelali bloke v bolj raznolikih velikostih. Listi navadnih lokov so tudi odlični, vsekakor pa je drugačen papir.

Imate kakšno misel o prihodnosti akvarela?
Da. Skrbi me, da je tako majhen odstotek mladih, ki jih zanima akvarel. Velika akvarelna društva bi se morala bolj osredotočiti na pridobivanje mladih članov. Sponzorirali bi morali razstave, ki predstavljajo delo mladih umetnikov, in ponujati štipendije obetavnim mladim umetnikom, ki delajo v akvarelu. Tudi velika akvarelna društva bi se morala poskušati uskladiti z umetniškimi programi univerz na njihovih neposrednih območjih.

Kateri je najboljši nasvet, ki ga lahko ponudite mlademu prizadevnemu umetniku akvarela?
Nasvet? Sama bi jih lahko uporabila! Resno, trdo delajte na svoji obrti! Naučite se dobro risati. Študirajte slikarstvo, če ne celo akademsko, pa vsaj v šoli, ki uči vse osnove, tj. Risanje, perspektivo, anatomijo itd. Verjemite vase in v svojo umetnost. Ne prosite svoje družine in prijateljev za kritike. Ne jemljite se preveč resno! Pigment je na papirju.

Opravite skupinske razstave in tekmovanja, ko začnete. Enočloveške predstave so namenjene uveljavljenim umetnikom, ne pa nekomu, ki se začne. Razvijte debelo kožo. Pripravite se spoprijeti z zavračanjem, malodane umetniki, ljubosumjem in zavistjo. Oh, in zapomni si tole: Ljudje vam bodo povedali, kaj želite slišati.

Pogosto lahko vse spremeni, kdo poznate in kako dobro ste povezani. Zavedajte se resničnosti: Zahodni svet premalo upošteva akvarelni medij. Mnoge galerije ne bodo sprejele akvarelov. Akvareli ne bodo dosegli toliko kot oljne slike. Žiri običajno ne podeljujejo akvarelov.

Ne pozabite, da največji umetniki vse življenje ostanejo študentje. Naj bo ustvarjanje umetnosti prednost, slika je prednost. Vse ostalo pride po. In preberite še enkrat!

Frank Eber se je rodil v Evropi in je stalno poklicni umetnik akvarela, ki živi v Kaliforniji. Frank je slikal po Evropi in Ameriki. Je podpisan član Ameriškega akvarelnega društva, Nacionalnega akvarelnega društva, Transparentnega akvarelskega društva Amerike in Akvarela zahoda. Frank poučuje in vodi delavnice in demonstracije na nacionalni in mednarodni ravni.


Poglej si posnetek: 2 06 2017 Франк (Julij 2022).


Komentarji:

  1. Jarvis

    and how is it necessary to act in this case?

  2. Mashura

    Toda trdimo, da imam drugačno mnenje, čeprav mi je bil članek všeč.

  3. Zulkis

    I against.

  4. Abran

    Brez inteligence ...

  5. Montague

    I deleted that thought :)

  6. Lalor

    Po mojem si šel v napačno smer.



Napišite sporočilo